Annie Leibovitz

Quizá esta rubia estadounidense, que generalmente lleva gafas (aunque no en la foto que encabeza la entrada) y un poco arrugadita no os suene de nada; sin embargo estoy convencido de que os sonarán, en cuanto las veáis, sus fotografías -y probablemente más de una-, ya que algunas han pasado a la historia casi como iconos de una época, concretamente de las últimas décadas del Siglo XX: de los 70 hasta nuestros días. Por ello no sé en qué sección colocar esta entrada del blog, si en Maestros de la fotografía o en fotógrafos actuales, porque se engloba en las dos perfectamente.

Muchas de las portadas de discos más famosos -sobre todo norteamericanos- son obra suya, de los autores con más renombre como Michael Jackson, Bruce Springsteen, Rihanna o Sting… la lista es muy larga, de verdad. Tampoco se ha cortado con gente de la realeza o dirigentes políticos como la familia Obama o la Reina Isabel II. También ha hecho trabajos para las marcas más prestigiosas, como Vanitty Fair, Rolling Stone,Vogue, Luis Vuitton o Nike. Como curiosidad, fue la última persona en fotografiar a John Lennon, y a día de hoy es la fotógrafa mejor pagada del mundo… o era. O era porque hoy he visto un artículo en este blog en el que exponen que Annie vende su casa del Greenwich Village de Nueva York por la friolera de 27 millones de euros.

Annie trabajando. Realmente el equipo de un fotógrafo profesional es de todo menos ligero…

Con la evolución a lo digital se le ha notado una tendencia hacia la edición que la ha llevado a explorar terrenos casi artísticos y mágicos, a una fotografía muy influenciada por el cine y en concreto se ha dejado llevar cuando la fichó Disney para hacer promoción. Sinceramente a mí algunas de estas fotografías me parecen sencillamente alucinantes, de una calidad artística realmente muy alta, llenas de imaginación y fotográficamente sinceramente muy buenas.

También ha trabajado como fotógrafa documental, aunque es una faceta de ella más desconocida. Prácticamente ha tocado todos los campos en cuanto a fotografía se refiere y es una fotógrafa impresionante. Os dejo con sus fotos.

Elliot Erwitt en Viena

Elliot Erwitt (1928) es de esos fotógrafos cuyas fotos hacen que tu cara se quede con una mueca estúpida mientras las observas, fascinado o maravillado por la capacidad de oportunidad, la facilidad para fotografiar y la calidad de las fotografías. Míticas, algunas de ellas se han quedado como auténticos clichés visuales que, muchas veces, intentas tú mismo buscar a la hora de hacer fotos. De hecho, desde que comencé a ver sus fotos, hace ya aproximadamente 15 años,  no puedo evitar hacer fotografías a perros, gatos y a todo lo que se mueva y no sea humano, debido a sus famosa monografía sobre perros.

Además de reportero, ha trabajado en varias agencias y ha sido director de la Magnum. Ha fotografiado a una buena cantidad de famosos. Sigue en activo y es posible contratarle, aunque supongo que sus honorarios no serán bajos .

Espero que lo disfrutéis, sin duda alguna uno de mis fotógrafos preferidos.

Ir a la página web official de Elliot Erwitt

Sebastiäo Salgado

Quedan pocos fotógrafos de la categoría humana de Sebastiäo Salgado. Lo cierto es que el terreno que pisa fotográficamente hablando es un terreno en el que sólo se inmiscuyen personas muy comprometidas con el mundo y sobre todo con los seres humanos: fotógrafos valientes y con principios, una cosa rara en el mundo del día de hoy. Salgado es una de esas personas que intentan mostrar lo que los medios masificados no quieren que veamos, lo que las sociedades modernas, perfectas, prefieren ocultar. No es otra cosa que los éxodos de poblaciones, las tribus -actualmente algunas todavía viven literalmente en el neolítico, tan felices- que tienden a desaparecer debido a la acción de los seres humanos “evolucionados”, las guerras, la enfermedad, la muerte… eso y más se puede encontrar en sus fotografías, siempre desde su particular prisma visual, desde su modo de entender este arte visual que algunos llaman fotografía.

Salgado trabajó par la agencia Magnum, aunque ahora tiene su propia agencia, Amazonas Images.

Personalmente siempre he querido hacer este tipo de fotografía, en parte por la aventura vital e incluso de superviviencia que entraña y en parte movido por un afán de verdad, un anhelo de verdad. Lo cierto es que las circunstancias de mi vida no me han llevado en esa dirección, no he tenido ni la ocasión ni la oportunidad. Quizá no lo he buscado demasiado. No lo he descartado nunca.

Lo considero un maestro en muchos más sentidos que los puramente fotográficos.

Josef Koudelka riendo

Josef Koudelka es sin duda otro de mis fotógrafos predilectos. Quizá el hecho de estar todavía vivo hace que le falte esa chispa de glamour que tienen los fotógrafos muertos, pero lo cierto es que Koudelka es un fotógrafo como la copa de un pino.

¿Donde mejor se desenvuelve? desde mi punto de vista, tiene muchísimo talento para el blanco y negro y es, como otros fotógrafos de la Magnum, un fotógrafo con una mirada propia muy acusada.

Tiene facilidad para conseguir imágenes impactantes de las situaciones más simples, casi se podría decir que fabrica imágenes de la nada. Eso es lo que yo llamo tener sentido artístico -que es casi una forma de ver el mundo- y la suficiente técnica y destreza con la cámara como para saber plasmarlo. Es un maestro usando la velocidad de obturación y tiene un don para detener la imagen en los momentos cruciales.

Lo cierto es que Koudelka dejó su trabajo (era ingeniero auronáutico) para dedicarse a la fotografía plenamente. Estuvo en varias guerras y revueltas como fotógrafo e hizo colaboraciones muy interesantes. Su primer libro de fotografías fue una serie para la delirante obra de teatro surrealista del fallecido Alfred Jarry, “Ubú Rey“. Muy recomendable, por cierto, la lectura de esta obra de teatro, no apta para mentes cerradas -he advertido, alguien no “iniciado” probablemente no entienda nada de esa obra de teatro -.

El mismo dice de su forma de hacer fotos:

Muchas de mis fotografías las hago sin mirar el objetivo, es como si no existiera la cámara y solo mi cerebro y mis ojos quisieran plasmar la imagen que estoy apreciando, pero llega un momento en que sin darme cuenta mi dedo realiza el disparo. Un acto sumamente mecánico pero lleno de intensidad.

Es ese punto en el que la cámara se convierte en una extensión de ti mismo, como el pincel del pintor, y en donde realmente se comienza a expresar con las imágenes.

Fue el fotógrafo Checo que plasmó a los tanques rusos tomar Praga. Vivió durante bastante tiempo de las becas -sí, es penoso que alguien con un talento artístico así tenga que vivir de las becas-, hasta que finalmente entró como fotógrafo para la agencia Magnum.

Os dejo más fotos de él. Algunas están tomadas en España, ya que viajó por europa haciendo una serie fotográfica sobre los gitanos. Espero que os gusten .

Mas información: Josef Koudelka en Magnum Photos

Henri Cartier-Bresson nació el 22 de Agosto de 1908 en Chanteloup, Seine-et Marne; Murió el 2 de agosto de 2004

Es muy sencillo decir que la vida de una persona dura, como mucho, aproximadamente unos cien años. Pero no es tan sencillo encontrar gente que realmente los viviera, y mucho menos encontrar a gente que fotografiase prácticamente todo ese lapso de tiempo. Pero claro, siempre hay excepciones a la regla.

Si buscáramos la definición de composición en fotografía, creo que al lado de dicha definición vendría una foto de Henri Cartier-Bresson, porque si se puede decir de alguien que estuviera dotado para componer imágenes, creo que no hubo en mucho tiempo nadie tan visualmente tocado por la gracia divina como él. ¿Se nota que soy un admirador ferviente de este fotógrafo?.

Bresson era un super fotógrafo al que se puede elevar a la categoría de artista del blanco y negro, siempre acompañado de su inseparable Leica telemétrica. Me resulta fascinante su modo de detener el tiempo, su mirada clara y directa, simple pero a la vez llena de matices. Un modo de fotografiar que parece sencillo de hacer, fluido, pero con una fuerza tremenda y un dominio de la composición aterrador… realmente es algo que sólo puede hacer así de simple un maestro en esto de “darle al botón”.

He influido de forma directa practicamente en todos los aspectos de la fotografía actual: en la forma de tratar el blanco y negro, en el modo de entender la fotografía de viaje,  en fundamentos de composición y en el sentido intrínseco de la oportunidad fotográfica, algo a lo que otorgó un valor en sí mismo que antes de él no tenía. Es quizá uno de los fotógrafos más imitados de la historia.

Creo que es el principal referente para todo fotógrafo novel, uno de los fotógrafos que cualquier fotógrafo novel debería disfrutar… disfrutar, sí, porque Bresson no se estudia, se disfruta y se paladea como el buen vino.

Algunas de sus fotos son para pararse a entenderlas. La mirada no sabe donde fijarse; pero cuando se fija en algo ese algo es un detalle que sobrecoje.

Técnicamente Bresson tenía un dominio completo y total sobre su cámara de fotos, que no era otra que su inseparable Leica telemétrica equipada con un objetivo de 50mm. Se demuestra la importancia -mucha más de la que parece tener- de tener un conocimiento total sobre el comportamiento y control de nuestro equipo, del llegar a alcanzar un control intuitivo. Adquirir este control hace que hagamos fotografías de forma mucho más natural, más fluida, y creo que Bresson es un buen ejemplo de ello ya que siempre uso Leicas telemétricas con objetivos de 50mm.

Primera Leica de Bresson

Casi todos los fotógrafos que saben dibujar o pintar -y tienen verdadero talento artístico- suelen tener facilidad a la hora de fotografíar. Quizá Bresson es, otra vez y también en esto, una de las mejores muestras de ello. Suele deberse a que conocen las normas de la composición, que son el fundamento de la pintura y que son aplicables a fotografía.

Bresson es un genio de la espontaneidad. Sus fotos tienen ese algo mágico que las hace llegar más alla de la mera imagen plasmada.

También poseía una facilidad para el retrato asombrosa. Retrató a muchos personajes ilustres de su tiempo, Pablo Picasso, Ezra Pound, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro, Ernesto Guevara… la lista es interminable -por desgracia estas fotografías no las encuentro por internet, pero os dejo algunas que sí encontré-.

Ezra Pound

Truman Capote

El Ché

Como dato curioso, comentar que fue prisionero Alemán en la Segunda Guerra Mundial y que fue cofundador de la agencia Magnum de fotografía, una de las más importantes y sin duda la que más ha influído en el devenir de la historia moderna.

Se ha recorrido el mundo de forma incansable y ha seguido fotografiando casi hasta su muerte. Sus fotografías, al margen del valor tecnico-compositivo-artístico, tienen un valor humano y antropológico incalculable. Dejó un legado de fotografías increible, todo un regalo para la humanidad.

Más información: Fundación Henri Cartier-Bresson

Ernst Haas

Siempre me ha fascinado la  fotografía en blanco y negro porque en sí misma es ya una fantasía, una irrealidad. Nosotros  no percibimos la realidad en blanco y negro, y por ello el blanco y negro tiene un poder especial sobre nosotros, una fuerza ensoñadora y evocadora única.  Lo cierto es que hay una cantidad considerable de grandes fotógrafos del blanco y negro precisamente por el hecho de ser el primer medio de obtención de imágenes de la historia de la fotografía, ya que hubo mucho tiempo para experimentar con todo tipo de sistemas, métodos, películas, revelados y un largo etc. No sería hasta finales del siglo XIX cuando empezase a colear la fotografía en color. Y no sería hasta la segunda guerra mundial cuando saliera la primera pélicula fotográfica moderna a color, la KodakChrome -aunque antes ya había existido la autochrome pero no de un modo extendido ni masificado-.

Por Ernst Haas

Lo cierto es que debido a la dedicación casi exclusiva durante décadas al blanco y negro, hubo muy pocos fotógrafos capaces de sacar todo el partido que el color merecía y fue durante mucho tiempo un terreno que se encontraba fuera de la fotografía creativa ya que trabajar con color era sumamente farragoso en comparación a hacerlo con blanco y negro. Una de esas excepciones a la regla fue el fotógrafo austriaco Ernst Haas.

Aerial Flamingos, Kenya, 1970 – por Ernst Haas

Lo cierto es que Haas tiene un dominio absolutamente increíble del blanco y negro, tiene fotos increíblemente buenas y es sin duda un maestro también en este ámbito -hay mucha gente que desconoce la faceta negriblanca de Haas-; sin embargo Haas destacó todavía más por ser un innovador del color ya que revolucionó la forma de entender la fotografía a color que se tenía hasta la década de los 60, en donde toda fotografía artística pasaba por ser en blanco y negro. Además fue uno de los pioneros en no tener miedo a romper las rigideces clasicistas compositivas y experimentó muy a fondo con las velocidades de obturación.

Gondolier at dusk – por Ernst Haas

por Ernst Haas

Para otorgarle a las fotografías de Haas todo el valor que merecen hay que encuadrarlas dentro de su época. A día de hoy, sobre todo a raíz de la aparición de la fotografía digital, los fotógrafos estamos de enhorabuena ya que tenemos a nuestra disposición un control creativo sobre el color con el que los fotógrafos de esa época, incluído Haas, ni soñaban en sus más dulces fantasías. Haas fue tan innovador que se puede decir que la concepción de fotografía de calidad a color que tenemos actualmente la creó él.

por Ernst Haas

Haas tenía un talento natural innato para la composición, y en muchas ocasiones sus fotografías traspasan la barrera entre fotografía y pintura, para fundirse en un abrazo.

También hay que destacar algunas de sus composicioines urbanitas, o su fotografía arquitectónica de las grandes urbes, realmente interesantes. También sus impresionantes y coloristas paisajes, quizás en donde más destaque. No me enrollo más y os pongo algunas de sus fotos, por desgracia no muchas, tiene cientos realmente geniales.

por Ernst Haas

Abalone Shell – por Ernst Haas

por Ernst Haas

Black horses – por Ernst Haas

Impala Grazing – por Ernst Haas

Black wave – por Ernst Haas

Parachute flowers – por Ernst Haas

por Ernst Haas

Western Skies – por Ernst Haas

Volcano, Surtsey, Iceland, 1965 – por Ernst Haas

Tobago Wave – por Ernst Haas

Snow Lovers – por Ernst Haas

Route 66 – por Ernst Haas

Ranunculus – por Ernst Haas

Paris View from Notre Dame – por Ernst Haas

Mas información : página web de Hernst Haas

Diane Arbus

Hay algunos fotógrafos que se pueden tildar de peculiares, otros de profesionales, otros de perfeccionistas… a Diane Arbus yo la tildaría de  excepcional por su modo de ver la realidad.

Muchos fotógrafos han buscado la belleza, lo peculiar, el impacto, la calidad o la sorpresa en sus fotos; Diane Arbus no se preocupaba de nada de eso, le gustaba lo raro, lo estrafalario, el lado más feo y más crudo de las cosas. Le gustaba retratar esa realidad escondida, la que no se ve, la que no sale a la luz y se intenta esconder.

Fotografiaba esas cosas de las que los que mandan se avergüenzan, rompiendo tanto los esquemas de composición, situando la mayoría de las veces el objeto central de la foto en el centro de la imagen, como mal usando los flashes, disparando “a quemarropa” a los retratados.

Lo curioso, y yo creo que más excepcional, es que da la sensación de ser algo que no es buscado a drede, pienso que Diane Arbus veía así la vida. La veía sórdida, y como sórdida quedaba reflajada en sus fotos.

Casi todos sus retratos son impactantes, de una fuerza increible. Es como si borrase las fotos en las que la gente sale bien y sólo conservase en las que sale sin la máscara social, cuando las emociones y la forma de ser real de las personas sale a la luz.

Toda situación estrafalaria le fascinaba. Las fotografías son tristes y a la vez reales como la vida misma, sin velos ni máscaras.

En sus fotos se constata la brevedad de las modas y su ridiculed intrínseca, que afecta sobre todo a las clases sociales más bajas, lo ridículo de la imagen aparente que no engaña a nadie, el de alguna forma adefesio-grotesco “modus operandi” de la civilización occidental mal llevada a la práctica.

En realidad, sus fotos, son una de las más crudas críticas a la sociedad que yo viera jamás. Creo que no hay ningún otro fotógrafo que fuera capaz de criticar de una forma tan sumamente directa y sincera como lo hizo ella.

Sin ninguna duda, se trata de una persona extremadamente sensible, con la sensibilidad a flor de piel a la que toda imagen le agrede de algún modo, es como si lo que captura mediante las fotografías le hicera daño de alguna forma.

Muchas de sus fotos conmueven muy profundamente, son duras de ver. Hay pocos fotorreporteros de guerra, de esos que fotografían la muerte en cada esquina, que digan tanto con imágenes de cadáveres como lo hace Arbus con las imágenes más comunes.

De este modo se demuestra que la mayoría de las veces la fotografía es algo mucho más complejo de lo que pensamos, es arte. Esto se consigue cuando las limitaciones técnicas son algo superado y la cámara se convierte en un instrumento para plasmar tu modo de ver el mundo.

Diane Arbus dibujaba sus fantasmas con sus fotos. Es como si intentara comprender el mundo a mordiscos, comiéndoselo. Ella misma decía que para ella fotografíar la realidad era un acto de posesión, casi sexual. Quizá una forma de “violar” la realidad.

Quizá su forma de ver el mundo estuviera marcada por su familia, a casarse demasiado joven, y a la época que le tocó vivir. No lo sabemos, pero sí sabemos que esperaba el peor momento par apretar el disparador, justo en ese momento en donde la situación se tornaba incómoda, en donde la fotografía tenía auténticidad y expresión.

Aunque, como dije antes, yo dudo que lo buscara a drede ya que, si bien sí se podría hacer algo así para algo específico, una serie o un album concreto de “horrores”, es francamente raro que alguien le dedique a ello toda su carrera. Es indicativo bien claro de no ser algo buscado, sino natural.

Sí parece de algún modo algo aprendido, quizá mal aprendido. Es como si hubiera aprendido sólo a hacer fotografías horribles de un mundo horrible al que era imposible sacar bien puesto que no era bello.

Espero que os “gusten” las fotos, o por lo menos que os hagan sentir terriblemente incómodos o vergüenza ajena (vergüenza ajena del mundo que estábamos y estamos creando, ese que no quieren mostrarnos), que era lo que buscaba la autora de las mismas .